Зарождение и расцвет электронной музыки

Электронная музыка за десятки лет стала одной из важнейших частей современной популярной и академической культуры, постепенно превратившись из экспериментального ответвления музыкального искусства в полноценное направление, разнообразием стилей которого не может похвастаться ни классика, ни рок, ни что-либо ещё. Тем не менее, мало кто понимает, что можно называть электронной музыкой, а что нет. В статье мы взглянем на людей, стоявших у истоков и разберемся, откуда растут корни у данного явления.

Само понятие электронная музыка было впервые употреблено Вернером Мейером-Эпплером (Werner Meyer-Eppler), немецким физиком-акустиком в книге “Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und synthetische Sprache” («Электронный синтез звука: электронная музыка и синтетическая речь») в 1949 году. Мейер-Эпплер называет электронной музыкой те композиции, которые создаются исключительно с использованием электронных средств. Учитывая современное состояние музыкальной индустрии, считать определение Мейера-Эпплера точным и всеобъемлющим непросто. В то же время википедийное определение не так категорично и допускает использование не только электронных средств и современных технологий.

Однако задумываться об использовании электромеханических инструментов начали раньше — в период со второй половины XIX века по начало XX века. Так, в 1907 году появляется работа композитора и пианиста из Италии Ферруччо Бузони (Ferroccio Busoni) “Saggio di una nuova estetica musicale” («Эссе о новой музыкальной эстетике»), в которой поднимается вопрос использования новых средств для создания музыкальных звуков. Также катализатором роста интереса к электронным средствам генерации звука выступили многочисленные изобретения преимущественно первой половины XX века: фонотограф Эдуарда Леона Скотта де Мартинвилля (Édouard-Léon Scott de Martinville), телармониума (динамофона) Таддеуса Кахилла (Thaddeus Cahill), магнитофона компании AEG и др. Отдельного упоминания среди изобретений данного периода стоит оптофон Владимира Баранова-Россине, советского художника-авангардиста и скульптора. Оптофон представляет собой прототип первых устройств для визуализации музыки и генерации светомузыки.

Ферруччо Бузони, 1895 год

Отправной точкой полноценного развития электронной музыки можно считать изобретение русским учёным Львом Сергеевичем Терменом в 19-20 гг. XX века первого в мире синтезатора — этерофона, позже переименованного в терменвокс. В отличие от всех остальных инструментов, появлявшихся до и после, игра на терменвоксе происходит посредством движения рук в электромагнитном поле инструмента, создаваемом двумя антеннами. Если говорить о звучании инструмента, то с ним читатель знаком почти наверняка: именно терменвоксом создан звук «таинственного инопланетного завывания» и многие другие звуки, использовавшиеся в советском и мировом кино. От исполнителя требуется точный музыкальный слух, так как гармоничные звуки никак не разделены на клавиши или струны. Также Льву Термену мир обязан первой ритм-машиной (ритмикон).

Лев Термен и его изобретение


Лев Термен играет на терменвоксе
Примерно спустя десять лет, в 1931 году был представлнен вариофон — первый графический синтезатор и одновременно прототип первых семплеров. Инструмент разработан в «Ленфильме» Евгением Шолпо при участии Г.А. Римcкого-Корсакова. Музыкант буквально рисовал форму звука на киноплёнке, после чего та и прокручивалась через вариофон. Высота генерируемого тона регулировалась скоростью движения плёнки. По политическим причинам этот синтезатор не обрел популярность в своё время.

Вариофон. Фото из музея советских синтезаторов


Пример звучания вариофона
 


«Полёт валькирий» на вариофоне
 


Советский мультфильм «Вор» (1934) Н. Воинова, озвученный с помощью «рисованных звуков» Львом Шварцем

От авангарда к поп-музыке

Однако все достижения и новшества в области электромеханических инструментов и электронной музыки до середины XX века являлись сферой интересов по большей части либо учёных и интеллигенции, либо представителей авангардного и экспериментального искусства. Связано это с тем, что в те времена такие инструменты являлись либо громоздкими, либо сложными в использовании и конструировании, либо дорогими. О серийном производстве не было речи, пока американский изобретатель и предприниматель Роберт Артур Муг (Robert A. Moog) не выпустил в 1965 году культовый аналоговый синтезатор Moog. С шестидесятых годов исполнителями электронной музыки становятся не только создатели инструментов.

Венди (Уолтер при рождении) Карлос (Wendy/Walter Carlos)

Венди Карлос (род. 1939) — американская композиторша и клавишница, наиболее известная как автор электронной музыки и саундтреков к фильмам. В 1962 году перебирается из Род-Айленда в Нью-Йорк для изучения музыки в Колумбийском университете. Венди стала известна благодаря альбому Switched-On Bach, выпущенному в 1968 году, который содержит композиции Иоганна Себастьяна Баха, исполненные на синтезаторе Moog. Также Карлос является обладательницей трёх наград Грэмми. Венди Карлос — автор музыки к фильмам «Заводной апельсин» (1971) и «Сияние» (1980) Стэнли Кубрика, а также саундтрека к оригинальному фильму «ТРОН», вышедшему в 1982 году.

Pink Floyd

Pink Floyd, без сомнения, является одной из самых успешных групп за всю историю музыкальной индустрии. Это британский коллектив, известный своими акустическими экспериментами, философскими текстами и грандиознейшими шоу. Группа была основана в 1965 году Ричардом Райтом, Сидом Барретом, Роджером Уотерсом и Ником Мэйсоном. В 1968 году к ним присоединился Дэвид Гилмор, который заменил Барретта, после того как ему пришлось покинуть группу. Вершиной успеха Pink Floyd стал альбом 1973 года The Dark Side of the Moon («Тёмная сторона Луны») — не просто сборник композиций, а работа, пронизанная идеей давления современного мира на психику человека. Собственно, эта идея и стала катализатором творчества группы. Авторы философских текстов и психоделического рока, иногда пересекающегося с эмбиентом, также внесли свой вклад в развитие и популяризацию электронной музыки. 

Kraftwerk

Немецкий квартет Kraftwerk, основанный в Дюссельдорфе, нередко кличут пионерами электронной музыки. Именно группа, созданная в 1968 году Флорианом Шнайдером (Florian Schneider), Ральфом Хюттером (Ralf Hütter), Вольфгангом Флюром (Wolfgang Flür) и Карлом Бартосом (Karl Bartos) сделала чистое электронно-аналоговое звучание популярным и известным. Многие песни коллектива, такие как The Robots, Computer Love, Pocket Calculator и Radioactivity стали культовыми.

Эпоха ремиксов и семплов

В 1969 году лондонская компания EMS выпускает первый в истории цифровой семплер — MUSYS. В 1985 году Akai выпускает семплер Akai S612, который мог позволить себе представитель среднего класса. С этого момента начинается новый этап в становлении электронной музыки, который длится и по сей день. Ремиксинг и семплирование стали новыми средствами самовыражения в музыке, не требующего столь уверенного знания сольфеджио и идеального музыкального слуха. Большую популярность они обрели в хип-хопе и смежных направлениях. Теперь стало возможным не только синтезировать звуки, но и использовать маленькие отрывки из других аудиозаписей в качестве инструмента, дающие в конечном счёте характерное игривое звучание. В каком-то смысле теперь каждая песня получила «жизнь после смерти», ведь даже после окончательного спада популярности, семплы из неё могли появляться в работах других артистов, которые даже создавали музыку даже не обязательно в том же стиле.

Марк Ронсон (Mark Ronson), современный саунд-продюсер (одна из самых известных песен последних лет — Uptown Funk совместно с Bruno Mars) в своём выступлении на TED Talks упоминает песню La Di Da Di 1984 года за авторством Slick Rick и Doug E. Fresh как одну из самых семплированных песен всех времён (547 раз). Например, Снуп Догг (Snoop Dogg) сделал кавер на La Di Da Di, вошедший в состав его альбома Doggystyle. Также отсылку к этой легендарной, но уже забытой в нашей дни песне можно услышать в творчестве Майли Сайрус (Miley Cyrus), а именно в песне We Can’t Stop.

Важно упомянуть песню Popcorn, исполненную в 1972 году группой Hot Butter. Можно найти впечатляющее количество видео– и аудиозаписей с названием в духе “Popcorn Original Song”, хотя они все равно окажутся ремиксами или каверами. У песни даже есть сайт popcorn-song.com, на котором ведётся статистика о количестве вариаций. На момент написания статьи число каверов насчитывает 777 треков от 580 артистов, а суммарная длительность всех версий — 50 часов 49 минут 18 секунд по данным сайта. Популярной вариацией на тему Popcorn является кавер от популярного в нулевых музыкального проекта Crazy Frog:

Не обошлось без кавера за авторством группы Muse:

Popcorn в исполнении Kraftwerk, упомянутых выше:

Daft Punk

После золотого периода хип-хоп музыки семплирование не потеряло популярность и любовь слушателей, благодаря легендарному французскому дуэту Daft Punk, состоящему из Томаса Бангальте (Thomas Bangalter) и Ги-Мануэля де Омем-Кристо (Guy-Manuel de Homem Christo). Скромные парни, ставшие популярными в 90-х, ещё будучи школьниками начали заниматься музыкой, но именно для того, чтобы стать заметней для девушек. Тогда это было трио Darling. в составе которого находился ещё Лоран Бранкович (Laurent Brancowitz). Одной из главных заслуг и по сей день активного дуэта заключается в создании нового поднаправления в хаусе — французского хауса или френч-хауса (French House). Главная отличительная черта стиля — активное использования вокальных и других семплов. Именно этой чертой обладают ранние работы Daft Punk. Также роботы-французы сделали одной из основ своего неповторимого стиля обработку голоса вокодером — устройством для изменения голоса, изобретенным ещё в военную эпоху.

Эйсид, наркотики и рейвы

После того как диско, фанк, дэнс и смежные жанры стали постепенно терять популярность (хотя и имеют массу слушателей даже сегодня), в 80-х мейнстримным стал хаус и бесконечное число его ответвлений. Одно из них — эйсид-хаус (Acid House). Одна из основных черт стиля — использования синтезатора Roland TB-303 для создания басовой линии, либо других синтезаторов, генерирующих схожий психоделичный, «кислотный» звук. Название Acid House появилось благодаря Phuture, который называл одну из своих работ Acid Trax. Сам стиль изначально появился и распространился из Чикаго благодаря таким продюсерам и диджеям как DJ Pierre, Adonis, Farley Jackmaster Funk и др. Название жанра неслучайно вызывает ассоциации с наркотиками и нездоровым образом жизни. Для того чтобы танцевать под эйсид-хаус, посетители клубов нередко принимали вещества для расширения сознания. В конечном счёте эйсид-хаус в чистом виде был запрещён для воспроизведения на радиостанциях из-за связи с наркотиками. Постепенно на смену пришёл рейв, а эйсид-хаус стал прежде всего андеграундным направлением. Однако отголоски эпохи эйсида до сих пор присутствуют в современной электронике. Так, близкое к эйсид-хаусу техно сегодня пишет один из самых влиятельных продюсеров России Роман Литвинов, более известный как Mujuice.

Постепенно более популярными жанрами на рейвах, массовых танцевальных вечеринках, становятся техно, транс, хардстайл и драм-энд-бейс (drum’n’bass). Они характеризуются более высоким темпом, чем у эйсид-хауса. К слову, драм-энд-бейс до сих остаётся актуальным в некоторых уголках мира. Вместе с музыкой более тяжелыми стали и наркотиках. Иногда это оборачивается скандалами. Так, например, после присоединения Крыма к Российской Федерации был закрыт фестиваль электронной музыки «КаZантип». Официальная причина — как раз связь с наркотическими веществами.

Электронная музыка сегодня

В более популярных направлениях электроники запрещённые вещества уже не являются неотъемлемой частью. Сегодня уже вовсе не осталось музыкальных жанров и вообще артистов, не связанных с электронной музыкой. Даже в современной классике композиторы нередко смешивают симфонические инструменты с аналоговыми синтезаторами. Представители достойные упоминания: Ханс Циммер (Hans Zimmer), Нильс Фрам (Nils Frahm), Макс Рихтер (Max Richter).

Ближе к 2010 году в музыкальной индустрии, ровно как и в кинематографии, видеоиграх и других направлениях искусства начинается стагнация. Развитие музыки значительно замедлилось: артисты либо сбиваются на самоповторы, либо на ностапльгию. Возникает мода на ретро и винтаж: снова стали популярными диско, фанк, эйсид, техно, пиксель-арт, VHS и другие характерные для конца XX века технологии и явления. Daft Punk, в своё время являвшиеся инноваторами в музыке, выпускают фанк/диско-альбом, The Prodigy возвращаются к своим истокам, выпуская альбом The Day Is My Enemy. Появляются отдельные жанры с упором на отсылку к прошедшей эпохе: вэйпорвейв (vaporwave), ретровейв (retrowave), электропоп (electropop) и т.п. Если говорить о музыкантах, то наиболее яркими и заметными представителями этих жанров являются Com Truise и Kavinsky. Также Carpenter Brut, Perturbator и Scattle становятся известными благодаря написанию саундтрека к компьютерной игре Hotline Miami, взявшей за основу сеттинг Майами 1980-х, кислотную пиксельную графику, олдскульный хардкор и вид сверху, словно это первая GTA.

Мы не берёмся обозревать ситуацию, к которой музыкальная индустрия пришла после моды на винтаж, поскольку на момент написания статьи прошло слишком мало времени, чтобы можно было что-либо анализировать. Однозначно можно сказать только то, что начинают набирать популярность такие жанры как фьюче бейс (future bass), future garage (future garage), глитч (glitch) и снова техно. При этом музыка от мелодичной переходит к более холодному и механическому звучанию. Но эти направления не спасут музыку в частности и искусство в общем от стагнации и затухания, поскольку для этого обществу необходим кризис, способный послужить резким толчком, который изменит мировоззрение и взгляд на музыкальное творчество.

Поделиться
Отправить